Die Drei-Akt-Struktur
- Setup, confrontation, resolution as structural rolesnoch nicht geprüft
- From Aristotle's Poetics to Save the Catnoch nicht geprüft
- Inciting incident, midpoint, all-is-lost climaxnoch nicht geprüft
- Kishōtenketsu and deliberate subversionsnoch nicht geprüft
Die erste systematische Theorie der westlichen Dramenform stammt von Aristoteles: In der Poetik (~335 v. Chr.) heißt es, eine vollständige Handlung habe einen Anfang, eine Mitte und ein Ende — keine bloßen Ortsangaben, sondern strukturelle Rollen, von denen jede am Publikum eine andere Arbeit verrichtet. Der deutsche Dramatiker Gustav Freytag dehnte das im neunzehnten Jahrhundert zur Pyramide aus Exposition, steigender Handlung, Höhepunkt, fallender Handlung und Auflösung; Syd Field brachte es mit Screenplay (1979) nach Hollywood; Robert McKees Story (1997) und Blake Snyders Save the Cat (2005) machten eine Branchenlehre daraus. Das Ergebnis ist eine bemerkenswert gleichförmige Erzählstruktur unter nahezu jedem kommerziell ausgewerteten Film, jeder Fernsehfolge und jedem Bühnenstück des vergangenen Jahrhunderts.
Die drei Akte sind keine gleich großen Blöcke, sondern verschiedene Aufgaben. Der erste Akt stellt Welt und Hauptfigur auf, setzt ein auslösendes Ereignis, das die Ruhelage stört, und endet an einem Wendepunkt, an dem die Figur sich auf ein Ziel festlegt. Der zweite Akt — üblicherweise doppelt so lang wie jeder der beiden Rahmenakte — treibt die Verfolgung dieses Ziels durch immer größere Hindernisse, mit einer Wende in der Mitte, die die Lage neu ordnet, und einem zweiten Wendepunkt, der die Figur an ihren Tiefpunkt stößt, den Alles-ist-verloren-Beat. Der dritte Akt trägt den Konflikt im Höhepunkt aus und lässt in einer kurzen Auflösung ein neues Gleichgewicht einkehren. Syd Fields Faustregel setzt die Aktgrenzen im 120-seitigen Drehbuch etwa auf Seite dreißig und Seite neunzig; Save the Cat zerlegt das weiter in fünfzehn benannte Beats mit Zielseitenzahlen; McKees Arbeitssatz lautet: Geschichte ist Konflikt, Figuren zeigen sich in Entscheidungen unter Druck, und die beherrschende Idee ist die Wertladung der Auflösung.
Dass die Form hält, ist kein Zufall. Sie bildet grob nach, wie Aufmerksamkeit eine längere Erzählung durchsteht — sich orientieren, dabeibleiben, befriedigt entlassen werden —, und kommerzielle Arbeiten werden bestraft, wenn sie ohne guten Grund davon abweichen. Viel Werk steht draußen: das langsame Kino Tarkowskis und Béla Tarrs, ein großer Teil des europäischen Autorenfilms, das Experimentaltheater und das japanische Kishōtenketsu aus Einführung, Entwicklung, Wendung und Schluss, das der Anime gern verwendet. Selbst nichtlineare Mainstream-Filme wie Pulp Fiction oder Memento mischen die Beats nur um und erhalten sie dabei — genau deshalb ist die Umstellung überhaupt als Umstellung zu erkennen. Das Fernsehen fährt beides parallel: Episodenserien bauen jede Folge dreiaktig, durchkomponierte wie The Wire oder Succession legen einen Staffelbogen über die Aktgrenzen der einzelnen Folge — jene Stellen, an denen im Werbefernsehen der Block kam und die im Streaming als Rudiment überlebt haben. Der zeitgenössische Gegenmodus — Glazers The Zone of Interest, Asters Beau Is Afraid, die Safdies, Kogonada — ist nur deshalb lesbar, weil die Form der Normalfall geblieben ist.