Romantische Musik

Am Abend des 7. Mai 1824 erlebte das Publikum im Wiener Kärntnertortheater die Uraufführung von Beethovens Neunter Sinfonie. Der Komponist saß neben dem Dirigenten und schlug aus der Partitur den Takt mit — seit Jahren war er ertaubt und hörte weder das Orchester noch die Reaktion des Saals. Das Werk brach nahezu jede klassische Konvention: weit länger als jede Sinfonie zuvor, dazu Chor und Solisten im Finale, das Friedrich Schillers Ode An die Freude von 1785 als Hymne auf die Verbrüderung aller Menschen vertont. Als die Aufführung endete, blätterte Beethoven noch in seinen Noten; die Altistin Caroline Unger drehte ihn behutsam um, damit er den Beifall sehen konnte, den er nicht hörte. Der 7. Mai 1824 gilt gemeinhin als der Geburtstag der musikalischen Romantik.

Die Romantik in der europäischen Musik reicht von etwa 1800 bis 1900, und sie lässt sich brauchbar so umreißen: erweiterter Ausdrucksraum, individueller Ausdruck als höchster Wert, programmatische und erzählende Gehalte, vergrößerte Formen und Orchester, zunehmend instabile Tonalität. Die deutsche Miniatur der Epoche war das Lied. Franz Schubert schrieb den Erlkönig (1815) und den Zyklus Winterreise (1827) — über sechshundert Lieder in einem kurzen Leben —, dazu kommt Schumanns Dichterliebe (1840); Johannes Brahms und Hugo Wolf führten die Gattung bis in die 1890er Jahre weiter. Zum romantischen Instrument schlechthin aber wurde das Klavier. Frédéric Chopin schuf mit Mazurken, Polonaisen, Balladen, Nocturnes und Etüden den Kanon des Klaviers als poetisches Instrument; Franz Liszt erfand mit den Transzendentalen Etüden, der h-Moll-Sonate und vor allem den Sinfonischen Dichtungen die einsätzige programmatische Orchesterform; Robert Schumann behandelte in Carnaval und Kreisleriana das Klavier als privates Beichtbuch. Hector Berlioz spannte 1830 in der Symphonie fantastique eine durchgehende Handlung über das sinfonische Gerüst. Die italienische Oper lief parallel über Bellini, Donizetti und Verdi; die russische Romantik brachte Pjotr Iljitsch Tschaikowski hervor, die tschechische Smetana und Antonín Dvořák, die finnische Jean Sibelius, der bis weit ins folgende Jahrhundert reichte. Die folgenreichste Gestalt ist Richard Wagner. Tristan und Isolde (1857–59) beginnt mit einem Akkord, der sich der Auflösung verweigert. Wagner hält die harmonische Auflösung über nie dagewesene Strecken hin, moduliert in entlegene Tonarten und macht das Leitmotiv zum tragenden Gewebe des Rings des Nibelungen — fünfzehn Stunden in vier Opern. Diese chromatische Zuspitzung trieb die tonale Harmonik an ihre Belastungsgrenze; als Gustav Mahler die Achte Sinfonie (1906) und Das Lied von der Erde (1908/09) abgeschlossen hatte, löste sich das System bereits von selbst auf. Der Bogen von Wagner zu Mahler bereitete den Bruch der Musik der Moderne (brief 288) vor — die Atonalität war kein willkürlicher Absprung, sondern der nächste Schritt von dort, wohin die spätromantische Chromatik die tonale Harmonik gebracht hatte.